El hilo de Ariadna

Texto Crítico

Maria Hirszman Periodista y crítica de artes. Master en historia del arte por ECA-USP.

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«Un rastro de sangre en la nieve desde Madrid hasta París. ¿No te parece bello para una canción?

No tuvo tiempo de volver a pensarlo. En los suburbios de París, el dedo era un manantial incontenible, y ella sintió de veras que se le estaba yendo el alma por la herida».

La obra de Beth Moysés es al mismo tiempo múltiple y única, individual y colectiva. La artista, una de las pocas brasileñas que se han enfrentado al tabú de trabajar plásticamente con un drama de carácter social, ha realizado desde la década de los noventa numerosas incursiones en el campo de la simbología femenina, más concretamente en la cuestión de la violencia de género, dando forma poética al inconformismo frente a la terrible y tan común situación de violencia doméstica.

En un primer momento, comenzó a explorar el potencial visual y semántico de elementos como el vestido de novia, el velo, las rosas, las perlas, la aguja o el hilo, que funcionan como metáforas de la mitificación del amor romántico, una de las causas centrales de la violencia física y psicológica contra las mujeres, según la artista. Después dio un paso más allá y empezó a trabajar con esa terrible memoria compartida del sufrimiento, generando, mediante acciones públicas, una especie de purga del dolor. Su producción tiene una fuerte connotación autobiográfica. El clima de violencia entre sus padres, vivido por la artista desde su niñez, sirvió como importante detonante de este proceso de investigación.

Los lenguajes, las formas y los materiales explorados por Beth son muy diversos. Y, sin embargo, existe una especie de hilo invisible que conduce de un trabajo a otro y que conecta —como hizo Ariadna— el enfoque particular de la dominación con un contexto más amplio y, por ello, menos controlado, en el que se pone de manifiesto y se intenta revertir el perverso proceso de deshumanización de la mujer por parte de quienes la consideran de su propiedad.

Es habitual dividir su obra en dos grandes núcleos: uno de carácter colectivo y catártico, y otro más expresivo e intimista. En el primero se sitúan las diversas acciones organizadas por la artista en distintas partes del mundo, comenzando por una intervención en la que 150 mujeres, casi todas víctimas de violencia, vestidas de novia, desfilaron por la avenida Paulista, centro neurálgico de São Paulo, así como sus registros en vídeo. La extensión geográfica de sus acciones es sorprendentemente amplia, y estas ya han tenido versiones en diversos países, sobre todo en España, donde no se observa el mismo pudor a la hora de abordar temas dramáticos que encontramos en el arte brasileño.

Para organizar estas intervenciones por todo el mundo, Beth Moysés cuenta con el apoyo de diversas instituciones y de cientos de mujeres de diferentes países, creando una amplia red de relaciones y vínculos que permite elaborar los dramas personales mediante la acción colectiva. Destaca el carácter, al mismo tiempo directo y teatral, de estas acciones, que constituyen tanto una expresión artística como una elaboración psíquica del trauma.

Existe, sin embargo, otro grupo de trabajos desarrollados por Beth Moysés que pertenece a un contexto más intimista, controlado y autónomo. En creaciones recientes como Trans-bordando, el efecto depurador de la performance da paso a una composición rigurosa e íntima en el espacio del atelier.

Allí están presentes, con una rara sutileza y un mayor refinamiento estético, aspectos centrales de su poética. El vídeo también aborda, aunque de forma menos explícita, el carácter colectivo de la problemática de las mujeres, equivocadamente tratada como un problema individual cuando, en realidad, se trata de una grave enfermedad social. Esto es especialmente relevante en un país como Brasil, que ocupa una triste posición en el ranking de países donde se registra una mayor incidencia de violencia doméstica ejercida por hombres contra mujeres, solo superado por algunas naciones africanas.

Pero la obra también invita a reflexionar sobre la potencia semántica de objetos (el dedal), atributos (el flujo lacrimal o menstrual) y colores (el rojo y el blanco) tradicionalmente asociados a lo femenino. Agrupados en un dibujo sinuoso que remite a la idea de un mapa, los dedales plateados son agitados por una lluvia de origen desconocido que rápidamente se vuelve torrencial. Estos recipientes, de una rara belleza plateada y que contienen gotas de sangre, son invadidos por un líquido rojizo que se diluye en el agua y oscilan de manera inestable. Intentan mantenerse firmes, pero la virulencia del agua, la fuerza del rojo y la intensidad del movimiento vertical terminan por ahogarlos.

La escena remite al cuento «Mi sangre sobre la nieve», en el que Gabriel García Márquez narra la historia de una joven que se desangra tras pincharse un dedo con una rosa que le regalan por su boda. El dedo es atravesado por una espina (otra de las figuras simbólicas exploradas por Beth Moysés en trabajos como Despontando Nós), pero la herida, aunque parezca superficial, se revela más profunda e incurable. Traduce la imposibilidad del intercambio y deja al descubierto tanto la artificialidad del sueño pequeñoburgués del matrimonio como la incapacidad del hombre para alcanzar la madurez y de la vida amorosa para desarrollarse al margen de los patrones impuestos por una sociedad regida por el individualismo y por unos vínculos sociales perversamente establecidos.